TS 2018
Ciclos
CICLO 1 BOGOTA
TALLER
Descripción del taller:
En este talle se guiará a los participantes en la creación y uso de herramientas orientadas a la distribución creativa de material sonoro en el espacio, usando un sistema cuadrafónico y el plug-in ambisonics creado por la Universidad de las Artes de Zurich para el entorno Max/msp. En el taller se abordaran tanto métodos para la interpretación en tiempo real como para la automatización de procesos de especialización, permitiendo potenciar el uso del espacio en la composición electroacústica y otras practicas artísticas que hacen uso el sonido.
Requerimientos:
Es indispensable que los participantes tengan el material sonoro que desean utilizar, en formato .wav o .aiff y es recomendable traer computador con la versión de prueba de Max instalada.
Dirigido por:
Sergio Román, Artista Plástico egresado de la Universidad Nacional de Colombia y mágister en arte sonoro de l Universidad de Barcelona. su trabajo se centra en la composición de música electroacústica y la instalación sonora. de la Universidad de Barcelona. ha realizado conciertos y exposiciones en Colombia y Barcelona
Jueves 1 – Noviembre – 2 pm
Salón 22, Conservatorio de Música
Universidad Nacional de Colombia
Sede Bogotá
Viernes 2 – 2 pm
Salón 22, Conservatorio de Música
Universidad Nacional de Colombia
Sede Bogotá
Sabado 3 – 6 pm
Sesion de escucha del taller
Teatro Acto Latino
Cra 16 #58 -55 Bogotá
Sesión Tematica
Lina María Garavito Nieto
Sonidos de infancia: la muerte de la experiencia y la materia en presente.
De un instante o cuerpo cualquiera su registro. La grabación de un algo como el agua corriendo por un río o de una voz humana hablando es ausencia y no más el cuerpo de la fuente; el registro es la muerte de lo que contiene. Grabamos con la voluntad de conservar la experiencia que nos sobrecoge pero ella es incontenible, aquello que está siendo pronto se agota, se empieza a disolver y finalmente muere. De tal desaparición sólo nos ha quedado esta frágil materia: un cúmulo de objetos, notas, cartas, diarios, fotografías, videos y sonidos. Una materia casi espectral que ocupa lugares singulares del recuerdo y acaso viene a ser en sí misma la memoria.
“Sonidos de infancia” es la reflexión sobre la forma en que ciertas imágenes sonoras del pasado existen hoy en nosotros; la tensión existente entre estas imágenes y la experiencia; la pregunta por el efecto «familiar» (refiriéndose a lo conocido e íntimo) que se produce a su encuentro; y finalmente la relación que tienen con nuestra creación.
SONIDOS EN DIALOGO
Fútbol – Acusmática
No importa tu edad,tu género,ni el interés o la habilidad que tengas para este deporte.Está en la cultura,en la tradición,en lo cotidiano. Toda persona,al menos «de rebote»ha oído acerca del fútbol,sus ídolos y leyendas.
Alejandro Brianza
(Buenos Aires/1989)
Compositor,investigador y docente.Licenciado en Audiovisión,Técnico en sonido y grabación,flautadulcista. Especialista y maestrando en Metodología de la Investigación Científica.
Es docente en la Universidad del Salvador y en la Universidad Nacional de Lanús,donde forma de relacionadas a la tecnología del sonido, la música electroacústica y los lenguajes contemporáneos,de las cuales ha dado conferencias y talleres en congresos y distintos encuentros del ámbito académico nacional e internacional.
Es integrante de la plataforma colaborativa Andamio y miembro de la Red de Artistas Sonoros Latinoamericanos.
El Ático de los Sueños
Tunel:
Madrid, una ciudad viva en la que cerrar los ojos supone una aventura sonora llena de matices, conversaciones ajenas, música en la calle, ruidos y sonidos con los que inevitablemente se convive día a día. La entrada en el metro y la toma de asiento puede dar pie a ese relativo silencio a imaginar que andamos pisando la hierba del campo u oyendo las olas del mar o el canto de un gallo. Una vez acabado este trayecto volvemos a la realidad después de haber imaginado y sentido, la evasión que nos brinda el Tunel
Pablo Gomez Suarez : grabaciones , guitarras , voz
Eva Pilarte Lopez: voz
Federico Volpini Soso: texto
Audios metro de Madrid, Gran Vía de Madrid, Pareja La Alcarria Guadalajara
Musico callejero Pablo Gomez Suarez interpretando poema Diferencias perteneciente al libro Las Flores cierran en invierno de
Federico Volpini Soso;
SOLI
Soli es una obra en la que la gestualidad sonora y la esculpidura espectral se desarrollan en la búsqueda de un paisaje sonoro surreal…
Camilo Solano Cobos Carrera
Graduado como Licenciado en Música en 2015 y como Magister en Música en 2018, ha realizado estudios de composición bajo la guía de los maestros Guillermo Carbo y Leonardo Donado. Simultáneo a ello, estudió piano con las maestras Jhany Lara y Rosalba Reina. Durante 2014 y 2015, adelantó estudios de dirección coral con las maestras Digna Guerra y Carmen Collazos. En esa misma temporada, fundó y dirigió el Ensamble Filarmónico Contemporáneo de Barranquilla. Desde 2017, se dedica a la composición asistida por medios electroacústicos bajo la guía del maestro Jorge Gregorio García Moncada. A lo largo de su carrera, ha ofrecido conciertos, para formato instrumental y electroacústico, en la ciudad de Barranquilla yBogotá. Actualmente, se dedica a la enseñanza como catedrático del Departamento de Música de la Universidad de los Andes.
Visible lo invisible
La obra que cálidamente parafrasea a Mario Benedetti: «Confío en que terminemos nombrados en un signo indivisible, porque antes de tocarnos éramos otros, porque ahora tienes un poco de mí y yo un poco de ti, porque nadie será capaz de separar nuestras esencias ante la imposibilidad de abarcarnos separadamente desde ahora, porque hay un lazo místico invisible que nos une a ti y a mí.» (Asunción de ti) Visible lo invisible es una obra cuyo material sonoro se originó en sonidos de llaves y de cremalleras manipulados electrónicamente. Fue estrenada en el auditorio principal de la Biblioteca Virgilio Barco en Bogotá, Colombia, por el músico y compositor bogotano Daniel Leguizamón en el marco de las Jornadas de Música Contemporánea organizadas por el Círculo Colombiano de Música Contemporánea en abril de 2015.
Diego Rojas es estudiante de último semestre de composición musical de la Facultad de Artes ASAB de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas en Bogotá, Colombia, en donde se ha formado bajo la dirección de los maestros Rodolfo Acosta y Gustavo Lara en el área de Composición Musical y con Luis Fernando Sánchez en las áreas de Síntesis de Sonido y Electrónica en Vivo en Pure Data. Cuenta, también, con formación en producción musical. Además, ha hecho parte de diversas actividades académicas extra curriculares como las Jornadas de Música Contemporánea 2015 del Círculo Colombiano de Música Contemporánea (CCMC) en las que fue participante activo en el Taller de Composición en Música Electroacústica con los maestros Ricardo Arias y el mismo Luis Sánchez, taller en el cual Rojas compuso la obra Visible lo invisible para sistema de difusión sonoro cuadrafónico, la cual fue estrenada en el auditorio principal de la Biblioteca Virgilio Barco en Bogotá en abril de 2015. En el mismo año, se hizo merecedor del estímulo Beca de Creación de Música Contemporánea del Ministerio de Cultura de Colombia por medio del cual compuso la obra mixta Zoom para flautas dulces, violonchelo, radio, electroacústica sobre soporte fijo y electrónica en vivo. También ha compuesto otras obras electroacústicas y mixtas como Bichos, Juego de roles (2013), Stannum solis(2015-16); y Reminiscencias circundantes (2014-15), para flauta, electroacústica sobre soporte fijo y electrónica
Analog:
Pieza creada a partir de bucles. Los bucles son un referente de todas las músicas del mundo. Por esto creo que la pieza es mas fácil de oír, que es la intención principal. Los bucles van creando capas para generar texturas mas densas, también para crear diferentes planos. Pero todo se da de manera progresiva para que el oído tenga una sensación corporal mas que un ejercicio intelectual.
Esteban Abondano:
Estudiante de la Universidad de los Andes de música, ha cursado una carrera en sonido en la ciudad de Buenos Aires. Ahora se dedica a componer bajo la tutela de Daniel Leguizamón. Sus intereses compositivos son influenciados por la música popular y la música académica.
Porque yo me sacrificaría
Esta piezas hace parte de una Serie de collages sonoros llamados Estados del Espíritu. Esta serie trata de crear el imaginario sonoro de estados espacios mentales asociados a cuestionamientos espirituales.
Esteban Ferro Astaiza
Egresado de Artes Plásticas de la Universidad Nacional de Colombia Reseña de artista (¼ pagina) Artista plástico egresado de la Universidad Nacional de Colombia. Sus investigaciones y proyectos reúne un interés en la recopilación de material de archivo abordándolo desde medios como la gráfica, el video y sonido. Sus trabajos se han exhibido en Colombia y Alemania. Ha participado en muestras de videoarte en México y Finlandia. Vive y trabaja en Bogotá.
Melancolía acusmatic music by José Gallardo Arbelaéz
With melancholy we understand that ungraspable feeling that inhabits certain human beings, some individuals who present that exceptional condition of which Aristotle speaks in the thirtieth chapter of the Physica Problemata: «How is it that all those who excel in philosophy, politics, poetry or art are melancholic? «That silence, emptiness and reduction of the world; that feeling inside and outside of oneself, the feeling of producing and not possessing; that break in the language, that inner search that manifests itself in external reasons and turns towards the internal.
The piece was compose at Clouds (Rajmil Fischman software), Spear (Michael Klingbeil) and edited at Ableton live 9.
Jose Gallardo A.
Composer-Medellín EAFIT University. Master of Aesthetics of the National University of Colombia. He has composed for various ensembles, especially dedicated to experimenting with computer generated music and traditional instruments.
Curanderas
es un homenaje a la sabiduría ancestral de las/los “Machi”: curanderos físicos y espirituales del pueblo Mapuche. La obra recorre metafóricamente un proceso de sanación, donde primero se prepara el lugar alrededor del fuego, luego se toca el Kultrun (tambor/timbal tradicional) y luego se hacen cantos sagrados para expulsar al “intruso” (enfermedad/pena) del sanado. También es una llamada a los “Newen”: fuerzas de la naturaleza vitalizadoras. Es muy importante el espacio circular de la obra ya que en la ontología Mapuche es fundamental el circulo para estar en ritmo con las energías de la Mapu (tierra/cosmos). El uso de cuadrafonía y el constante movimiento de las fuentes son para generar un sonido inmersivo y favorecer el mensaje de la obra. Otro objetivo de Curanderas es visibilizar una cultura que esta opacada por el pensamiento colonial y así darle frente a esa forma de estar para revitalizar los saberes precolombinos.
Marcos Raviolo
Instrumentista, compositor y técnico de sonido. Estudiante avanzado de la Lic. en Composición con Medios Electroacústicos de la Universidad Nacional de Quilmes. Actualmente en instancia de tesis a presentarse en Mayo de 2019. Trabaja en el campo de la producción musical, grabación y mezcla, tanto para proyectos audiovisuales como musicales. También dicta clases de música e instrumentos. Actualmente es becario de las becas EVC-CIN en el proyecto Técnicas de espacialización de sonido con sistemas de reproducción multicanal, dirigido por Mariano Cura. Es ganador del segundo premio de Música del Fondo Nacional de las Artes, en categoría Rock (2017) con su banda Parque Luro. Recientemente seleccionado para participar de las Jornadas de Audio y Acústica de Salta (2018), y ganador del primer premio del concurso “A 100 años de la reforma universitaria” dictado en la UNQ en Septiembre de 2018, con su obra “Todas las tormentas juntas”.
Gratis
Gratis are all of sounds, free for all.
Simon Pérez
Nací en Argentina en el 90 y mis trabajos se ubican entre el materialismo sónico acusmático y la especulación instrumental performática. En ellos surgen como posibles horizontes el ultracademicismo, la musicología como material, la gratuidad como tema, etc, etc, etc.
Comencé mis estudios de teatro, danza y música en la Escuela Provincial de Artes de Necochea, posteriormente en análisis y composición en la Facultad de Bellas Artes de Universidad Nacional de La Plata y en la Universidad Nacional de Quilmes. De forma privada, realicé estudios en composición y análisis de música acusmática con Elsa Justel en Mar del Plata. Varios de mis trabajos fueron seleccionados y premiados en los concursos Destellos, Luigi Russolo, Gustavo Becerra-Schmidt, 54th Masterclasses en la Hochschule für Musik Franz Liszt, MEGA Jury, Banc d’Essai INA-GRM, y presentadas en varios festivales en América y Europa como Multiphonies INA-GRM, CIME-ICEM, Sonoimagenes UNLa, L’Espace du Son M&R, Mixture, Transitions CCRMA, Zeppelin, Ai-Maako, PNEM, entre otros.
Medios Actuales de creación
RICARDO ARIAS, ANA MARIA RUIZ
(Vo(rt)ices))
Presentación en vivo, que incluye Electrónica (Sonido cuadrafónico + Jardín de Parlantes) y Violín (acústico). En 1996, Chris Mann hizo un “The Frog Peak collaborations project”, obra en la que invitaba a varios artistas a trabajar a partir de un texto pregrabado por él. (Vo(rt)ices))es una serie de 24 miniaturas creadas como respuesta póstuma a este proyecto, generadas a partir de materiales diversos y que utilizan la voz de Mann como eje conductor: éstas parten de la idea de collage y conversan en vivo con el violín. El concierto se trata de gestos/episodios generalmente cortos, muy detallados, que terminan funcionando como una suerte de listado, catálogo o exposición de ideas sonoras sin pretención de desarrollo.
Ricardo Arias es un músico experimental, artista sonoro, profesor e investigador nacido en Bogotá en 1965. Durante muchos años su trabajo se ha centrado en la improvisación con fuentes de sonido no convencionales tanto acústicas como electrónicas, colaborando con un gran número de músicos experimentales, improvisadores y artistas sonoros de todo el mundo. Ha presentado su trabajo en el El Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Museum Kunst Palast en Duseldorf, La Casa Encendida en Madrid y en el Teatro Colón en Bogotá entre muchos otros auditorios y festivales en Norte América, Sur América, Europa y el Medio Oriente, actividad que ha complementado con la organización y curaduría de festivales de música experimental y exposiciones de arte sonoro. Actualmente es el Director del Departamento de Arte de la Universidad de Los Andes en Bogotá.
Ana María Ruiz es una violinista colombiana que se mueve entre la tradición clásica, la improvisación libre y la música contemporánea. Su trabajo incluye una amplia gama de referencias –incluyendo el noise, la improvisación contemporánea y la tradición musical occidental-, abordadas desde una perspectiva experimental. Su investigación de los aspectos sonoros/tímbricos y comunicacionales de la música, la ha llevado a colaborar con otros músicos, actores y artistas en proyectos transdisciplinares como residencias artísticas, performances, montajes multimedia y workshops de improvisación.
MARIO SALAZAR
Mario Andres Salazar
Músico egresado del conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia en el año 2014 como Compositor con Énfasis en Música Electroacústica.
Live Electronics
Improvisación en tiempo real haciendo uso de sintetizadores análogos y procesadores de señal de audio. Todo el sonido será producido desde su origen in situ. No se usarán ordenadores ni medios digitales de producción de audio.
Sistema Bíotico
Sistemas Bióticos: Simbiosis, improvisación, interpretación y re interpretación en tiempo real.
La mímesis continúa apareciendo hoy en día como una tesis estética fundamental en el arte, tanto como lo fue durante los orígenes de diversas expresiones culturales. Actualmente, hace parte de propuestas artísticas tan elaboradas y complejas como la construcción de máquinas impulsadas por el viento que se llegan a comportar como seres vivos (cita), hasta la intervención con circuitos electrónicos dentro de ecosistemas naturales, convirtiéndolos en parte funcional del circuito mismo (cita).
Esta propuesta se aproxima a la mímesis, entendida sencillamente como la imitación que el arte hace de la naturaleza misma, en un sentido práctico para la ejecución de una acción sonora colectiva. De la misma forma en que los organismos, los ecosistemas y otros elementos de la naturaleza interactúan entre sí de forma autónoma más no necesariamente independiente, la elaboración de los sistemas propuestos con esta obra se vuelve simbiótica en cuanto a su ejecución y presenta un resultado que resulta único en cuanto a los productos sonoros obtenidos durante su desarrollo.
Cómo funciona:
A través de una conexión en línea, una cantidad indeterminada de intérpretes manipulan diversas fuentes sonoras intervenidas en Max. De forma simultánea, las acciones de cada uno de los participantes altera el producto sonoro de otros intérpretes para crear un sistema dinámico, integrado por múltiples fuentes que se intervienen simultáneamente, todo en tiempo real. Gracias a esto, los resultados son impredecibles, pues se permite un control relativo de la señal durante su procesamiento, más nunca en su resultado sonoro, con lo cual obtiene una calidad vívida y totalmente particular. Queremos recrear estados sonoros que logren comportarse de manera orgánica, algo sistemática pero absolutamente aleatoria y única, como puede ocurrir en la naturaleza cotidianamente.
La interfaz de Max ofrece todas las herramientas necesarias, siendo un software basado en parches (o patches) que nos permite una elaboración modular independiente de cada una de las partes que conforman un sistema, y al mismo tiempo su manipulación tanto individual como conjunta. El resultado es una creación sonora colectiva, retroalimentada a sí misma durante su ejecución. Adicionalmente, Max posee la capacidad de conectar de forma eficiente a diversos integrantes a través de la red, abriendo su capacidad de participación desde cualquier lugar donde puedan conectarse al sistema en línea.
Integrantes: Sebastian Galeano – Sergio Roman – Camilo Rojas
INSTALACIÓN DEL CONCIERTO
CICLO 2 BOGOTA BUENOS AIRES
INDICE
Ezequiel Abregu
Ezequiel Abregu
Nació en Buenos Aires, Argentina. Doctor en Ciencias Sociales y Humanas y Licenciado en
Composición con Medios Electroacústicos (UNQ). Artista sonoro, compositor, multi-instrumentista e investigador.
Sus trabajos incluyen grabaciones de sonido, instalaciones sonoras, performances, escultura sonora, diseño de sonido y obras para música de cámara, coreografía y teatro. Su interés artístico se centra en la interacción entre la música, performance, arte sonoro, electrónica en vivo, percepción audiovisual, medios interactivos y
tecnología aplicada al arte.
Es profesor en la Universidad de Quilmes (área de Computación Aplicada a la Música), Universidad Nacional de las Artes (área de Artes Multimediales) y en la Universidad de Tres de Febrero (área de Artes Electrónicas). https://ezequielabregu.com
Federico Demmer Colmenares
Percusionista especializado en música contemporánea con una amplia trayectoria en banda y orquesta sinfónica y una intensa actividad en el área de música electroacústica.
En una búsqueda permanente de la expresión musical contemporánea como una necesidad para el desarrollo musical y cultural de nuestro país, ha desarrollado un lenguaje propio en la interpretación y la composición musical lo que lo ha llevado al encuentro de novedosas rutas artísticas, un encuentro que aplica constantemente en la enseñanza musical y artística y en la divulgación de la creación contemporánea.
Daniel Leguizamón
Músico, gestor y pedagogo con experiencia en edición musical. Egresado de la Universidad de Los Andes con estudios de posgrado en Filosofía, y de pregrado en Composición Musical con Luis Pulido Hurtado y Catalina Peralta, además de estudios privados con Graciela Paraskevaídis y Coriún Aharonián, en Montevideo, Uruguay, y con Blas Emilio Atehortúa, en Bogotá, y cursos y seminarios con, entre otros, Mesías Maiguashca y Mario Lavista. Vinculado como docente a la Facultad de Artes ASAB de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas desde 2011, en el Área de Música y Contexto. Co-fundador del Círculo Colombiano de Música Contemporánea, con la cual ha colaborado como Secretario, Presidente e integrante del Observatorio de Música Contemporánea. En el ámbito de la interpretación y la improvisación, su trabajo se ha venido especializando en los ámbitos de la difusión de música electroacústica y el manejo de electrónica en tiempo real, la música experimental y como director; actualmente hace parte del núcleo organizador de la Bogotá Orquesta de Improvisadores y es parte del trío «ul» de flauta, electrónica y video; regularmente es invitado para trabajar con diversos solistas y agrupaciones en el campo de la música culta contemporánea y experimental. Compositor, especialmente, de música de cámara y con medios electrónicos, y con acercamientos a la creación interdisciplinar.
Juan Pablo Posada Álvarez
Nacido en Bogotá Colombia, Compositor, Guitarrista e investigador en nuevas tecnologías
aplicadas a la música. licenciado en Composición con medios Electroacústicos, Licenciado en música y Tecnología y licenciado en guitarra con pedagogía instrumental. Comenzó sus estudios de guitarra en La Universidad Nacional de Colombia. fue miembro de la orquesta de guitarras de la universidad Nacional de Colombia, del dueto trece cuerdas y del cuarteto de guitarras 90210, con quienes dio recitales en importantes salas del país. Continúo sus estudios
en composición, tecnología y música, orquestación, y guitarra en el 2009 en Buenos Aires. Becado por la Unq por buen rendimiento académico, participo del segundo festival muchas músicas en buenos aires, ganador convocatoria 4×4 para obras en cuadrafonía con imagen, fue uno de los ganadores del concurso Manos a las obras con “Deux ex mínimal” para violín, piano y electrónica. Ganador de beca de investigación y docencia en la UNQ de buenos aires.
Actualmente es miembro el grupo de investigación ElectropUNQ, donde desarrolla sistemas de control por movimiento en música mixta, Asimismo ha impartido seminarios y clases de
tecnología y música en Buenos aires, Chile y Colombia, ahora continua estudios de doctorado en composición, es docente de guitarra en la EMBA Carlos Morel y de música y tecnología en
el Conservatorio Manuel de Falla de Buenos aires.
NICOLÁS VARCHAUSKY
Compositor, artista sonoro y docente-investigador de la Universidad Nacional de Quilmes (UNQ) y la Universidad Nacional Tres de Febrero. Su producción artística incluye obras electroacústicas e instrumentales, performance, instalaciones sonoras y proyectos interdisciplinarios en espacios públicos. Su obra investiga las relaciones posibles entre sonido, espacio, memoria y palabra hablada en contextos tecnológicos. Desde hace más de 30 años lleva adelante el proyecto Archivo PAIS (archivopais.org), una colección de registros de voces anónimas que exploran las tensiones entre sonido y sentido en la voz hablada como material musical. Dirige la Serie Arte Sonoro de la Colección Música y Ciencia en la Editorial UNQ y el sello de música electrónica experimental Inkilino Records (inkilinorecords.net). Ha realizado música original para teatro, danza y cine, y recibió diversas distinciones entre las que se destacan la Mención Honorífica en el Prix Ars Electronica, la Beca Nacional a la Creación Artística del FNA y el premio Germaine Derbecq otorgado por la Asociación Argentina de Críticos de Arte. Recientemente, ha recibido comisiones de los 48º Ferienkurse für Neue Musik Darmstadt, el Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras CMMAS, la Bienal de Performance BP15, la Secretaría de Cultura de La Nación Argentina y el CETC Centro de Experimentación del Teatro Colón. Realizó su doctorado en The Centre for the Digital Arts and Experimental Media (DXARTS), University of Washington, Seattle, USA.
CICLO 3 MANIZALES
INDICE
Sesion tematica
Ideas y apuntes para hablar, experiementar y habitar el espacio en la creacion sonora
Laboratorio de creación sonora destinado a indagar, desde los parámetros básicos del sonido en torno a la creación sonora y música experimental fomentando espacios de dialogo.
Camilo Rojas
Sonidos en Dialogo
Juan Esteban Quintero Jiménez
PorDiosEros
Es una obra que busca acentuar los posibles vértices que comparten dos mundos, en apariencia, opuestos entre sí. Las prácticas espirituales que requieren un alejamiento del mundo y un acercamiento al silencio y a travesías interiores puede asemejarse en muchas cosas a una vida callejera, de mendicidad, desterrada de la sociedad, en la que el mismo silencio y la misma separación de todo, pueden ser los motores para llegar a terrenos similares. Así, las atmósferas sonoras que genera la obra se inscriben en un ambiente de trance y oración junto con la calle y lo que allí habita.
Juan Esteban Quintero Jiménez
Egresado de la Universidad de Los Andes con énfasis en medios electrónicos y artes del tiempo,el trabajo del artista busca poner en diálogo elementos que pueden provenir de lugares muy diferentes; la cultura popular, contradicciones visuales, grabaciones sonoras urbanas y de naturaleza, vídeos contemplativos, colecciones de objetos y juegos de palabras.
El espacio de incertidumbre que existe cuando las cosas no se definen del todo es el lugar donde surge un universo nuevo de asociaciones cada vez. En la distancia, el vacío y la nada es donde todo está por existir.
Carlos Mauricio Miranda
Biomitologías 2
Hace parte de un ciclo de composiciones electroacústicas que realiza como parte de su tesis de grado en la maestría en creación musical, artes tradicionales y nuevas tecnologías. La obra es para ranita de madera y cinta. La temática de la obra gira alrededor del diálogo que sostienen la razón y la intuición acerca del estar en el mundo.
Carlos Mauricio Miranda Echeverri.
Músico Colombiano que ha participado como intérprete en concursos de música andina y del pacífico Colombiano, salsa, jazz, hip-hop y rock. Dirigió la Orquesta Sinfónica Juvenil de Colombia. En la actualidad está realizando estudios en composición de música electroacústica en Argentina.
Como compositor ha realizado obras para guitarra, conjunto típico colombiano, orquesta de cuerdas. También ha realizado adaptaciones para orquesta sinfónica.
Gonzalo Pérez Sargento Pez
RELATO #2 – en diferido.
Pertenece a una colección de músicas compuestas por la superposición de varios relatos simultáneos de un mismo partido. Dicha colección admite una variedad de posibilidades de realización en vivo, pero el presente número es una versión fija que fue realizada con relatos pregrabados y procesados, acompañada de una filmación, también procesada posteriormente. Tanto la parte sonora como la visual evocan -entre muchas otras cosas- el ruido en la transmisión de un evento deportivo, elemento que agrega una capa más de tensión y emotividad, a las muchas que ya aporta el fútbol en sí mismo.Cabe mencionar que la mayor parte de los hechos gloriosos del fútbol de nuestro país ocurrieron en el extranjero, hace bastante tiempo, y llegaron a la ciudadanía filtrados por la impronta de distintas tecnologías de la comunicación. Los 2 relatos utilizados son de Alberto Kesman (CX22) y Máximo Goñi (CX12)El partido se jugó en el Estadio Centenario de Montevideo el viernes 12/9/2014 a las 19hs entre los primeros equipos de Peñarol y Sudamérica. El resultado final fue 1 a 1.
Gonzalo Pérez
Guitarrista y compositor uruguayo, autor de música instrumental, electroacústica, y con un particular interés en trabajar creativamente en función de otras disciplinas como danza, teatro, plástica y audiovisual. Egresó de la escuela universitaria de música y allí trabaja como docente de composición y análisis. Cursó parcialmente otros estudios universitarios: Arquitectura, Ciencias de la Comunicación, Profesorado de Música y Licenciatura en Guitarra.
Su actividad guitarrística se concentra en el tango y la música de raíz folclórica rural participando en dos
conjuntos estables y varios ocasionales.
Sargentopez
Descubrió su pasión por las artes visuales tempranamente en su vida y lo que comenzó como un hobby se transformó en su medio de vida. Ha estado trabajando en el área durante diez años para varias compañías y actualmente se desempeña como ilustrador y animador independiente.Egresado de Composición
(Eum-Udelar. Montevideo, Uruguay)Contacto :
Opus Nigrum
Rizoma
Es una pieza sonora que busca experimentar con procesos electrónicos a partir de una única fuente sonora; la voz. Esta pieza hacer parte de su primer trabajo «Ensayos en la habitación”, el cual gira entorno a la idea de la alquimia del sonido en espacios cotidianos.
Opus Nigrum
Es un proyecto sonoro conformado por Sara Fernández y Tania Granada, ambas realizadoras audiovisuales de la Universidad Nacional en Bogotá. A principios del 2017 decidieron darle origen al proyecto como un espacio de experimentación con el sonido en tanto medio artístico y narrativo, a través de medios análogos y digitales.
Sitio web: https://opus-nigrum.bandcamp.com/releases
Nahuel Eduardo Litwin
“Grito Enceguecido”
Originalmente concebida como una obra que contendría diversos sonidos tomados de la calle, esta pieza cambió de curso luego de presenciar una protesta callejera en Buenos Aires. La energía irradiada por la gente, los sonidos, olores y luces me llevaron a escribir unas palabras alrededor de las cuales se estructuró finalmente la pieza. Contacto: www.nahuellitwin.com
Nombre: Nahuel Eduardo Litwin Carrera: Composición. Egresado de la UNA (Ciudad Autonoma de Buenos Aires, Argentina) Reseña artística: Nació en Buenos Aires en 1974. Estudió guitarra de jazz y luego se graduó en composición en la UNU (Universidad Nacional de Arte), Buenos Aires. Estudió música electroacústica con Jorge Sad Levi y Ricardo Mandolini. Recibió varios premios, incluido el 5º premio en el Festival de Música Sime 2018 en Lille, Francia, finalista en el Concurso de Composición Bienal de Metamorfosis en Bélgica, y el 1er y premio en el Fondo Nacional de las Artes en Buenos Aires en 2010. Sus obras fueron programadas en varios festivales de música, incluyendo Festival Internacional “l´Espace du Son” (Bélgica), CICTEM 2018 (Argentina), FAUNA 2017 (Argentina) y AI-Maako (Chile) 2018. Asistió al curso de interpretación de música electroacústica en el IRCAM ManiFeste 2018.
Leonardo Suárez Jiménez
Des Pas Sur la Neige
Musicalmente, la obra es una adaptación de Des Pas Sur la Neige del compositor impresionista Claude Debussy.Sobre un subwoofer, se pusieron distintos materiales como anhilina, maizena,agua y pintura fluorescente. Las ondas sonoras producidas por el subwooferque reproduce la obra adaptada de Debussy, generan el movimiento de los materiales, en una especie de cimática. La cimática es el estudio de la forma visible del sonido y la vibración. Este vídeos tienen un concepto simple: dejar que la música cree sus propias imágenes.
Leonardo Suárez Jiménez
Leonardo Suárez aka Lozk crea una propuesta audiovisual arriesgada y vanguardista, con sonidos vibrantes y ritmos energéticos articulados con una puesta en escena de imágenes cinéticas y un performance con los cuerpos que llevan a los espectadores a una contundente experiencia sensorial y
emocional de sus raíces.
Lozk ha sacado dos álbumes de estudio y EP’s con diferentes sellos disqueros europeos: Zube Records (Reino Unido) Tonrausch Recordings(Austria), Splitting Sound Records (Serbia), CVLT Forest (Rusia) y Line Secret Records (España). También ha aparecido en compilaciones de sellos
discográficos como Solphet Music, Catharsis, Audiokult Soundtracks y Sonis Rai.
Jhon Escobar
Nacido en Colombia en 1981. Licenciado en Composición con Medios Electroacústicos de la Universidad Nacional de Quilmes. Argentina. Cursos de posgrado en Creación Musical, Nuevas Tecnologías e Instrumentos autóctonos de América, en la Universidad Nacional de Tres de Febrero (Untref). Formalmente inicia sus estudios en Colombia en la Academia Superior de Artes de Bogotá (ASAB) en 2001. Participó del I Taller internacional de Jazz Moderno y Música contemporánea a cargo de la Escuela de Música Contemporánea de Buenos Aires y la Escuela de Música y Audio Fernando Sor de Bogotá, realizado en 2003. Vive en Argentina desde 2005. Ha trabajado de forma independiente y junto con organismos como la embajada de Colombia en Buenos Aires en actividades culturales de interes público. Trabaja con audiovisuales y música para cortometrajes. Junto con Acheiropoieta Producciones, fueron premiados en el festival de cine de Lima en 2011 con el ensayo documental: Nestoro. Seleccionado con su suite de piezas para viola sola, en 2018 por Colon contemporáno y College Contemporain para trabajar con Odile Ouboin del Ensamble intercontemporáneo. Su cuarteto de cuerdad No.1 fue seleccionado en las lecturas abiertas 2017 del Cuarteto de cuerdas Untref para formar parte de su repertorio contemporáneo. Se desarrolla como compositor e intérprete del Ensamble Rondon Crowell, grupo abocado a la producción y realización de música contemporánea y electroacústica, becarios 2017 del Fondo Argentino de Desarrollo Cultural y Creativo para realizar el Proyecto “Música de Alas” en México en el CMMAS, y becarios 2018 del Fondo Nacional de las Artes (Arg), para realizar su primera opera contemporánea experimental. Paralelamente trabaja como profesor de música independiente y en instituciones estatales de la província de Buenos Aires.
JHON ESCOBAR Lavalle 425, Quilmes Buenos Aires. Argentina
escobarjhonn@gmail.com Músico, compositor, arreglador y docente.
Sitios en internet. https://soundcloud.com/jhon-escobar-1 https://www.youtube.com/watch?v=ruKDqzxKStI http://vimeo.com/19506423 https://ensamblerondoncrowell.bandcamp.com
Justina Siksnelyte
“No Hay Palabras” –Voz, Electrónica y Vídeo
Esta pieza explora dos elementos únicos del cuerpo humano: las manos, con sus huellas dactilares únicas, y la voz, tan distintiva en cada individuo.¿Y si las manos hablaran y la voz pudiera tocar?La parte vocal utiliza técnicas extendidas en combinación con diversos tratamientos electroacústicos y sonidos sintetizados realizados en directo como parte de la interpretación de la obra.Todo esto en relación y oposición a lo que simultáneamente ocurre en la imagen.
Justina Siksnelyte
(1988)
Es una compositora y artista multimedia nacida en Vilna, Lituania.
Tras culminar sus estudios musicales en su país natal, en 2009, Justina se trasladó a La Haya,Países Bajos donde obtuvo sus Licenciatura y Maestría en Composición Musical.
Adicionalmente a su especialización estudió un minor en Canto de Jazz.
Justina ha compuesto música para todo tipo de configuraciones instrumentales, vocales, electroacústicas y de multimedia.
También ha liderado una banda cuyo estilo musical combina
elementos de jazz e improvisación con música tradicional de Lituania y conceptos de música académica contemporánea.
En este proyecto Justina se desempeñó como vocalista, además de componer y arreglar todo su repertorio.
Reside en Quito, Ecuador desde el año 2016 y se ha involucrado en la escena musical local formando parte de eventos como el Festival Música Ocupa 2018 y el XIV Festival Ecuatoriano de Música Contemporánea.
Medios Actuales de creación
Santiago Rubio López
Diseñador visual y Magister en Diseño y Creación Interactiva. Ha sido docente de la Maestría en Diseño y Creación Interactiva, la Maestría en Artes, el Departamento de Diseño Visual de la Universidad de Caldas y la Universidad de Investigación y Desarrollo UDI. Sus proyectos abordan temáticas que relacionan la imagen, el sonido y la interacción desde propuesta experimentales. Actualmente produce música e imagen para los proyectos Monster Cyclone, ShikiMan, entre otros.
Daniel Sebastián Castrillón Arcila (Manizales, 1993) Violonchelista.
Inició su estudio del violonchelo a la edad de 10 años bajo la conducción de su hermano Sergio Andrés Castrillón Arcila. Posteriormente continuó en el programa básico de estudios musicales de la Universidad de Caldas con Andriana Marín, Jorge Camelo y Ángela Osorio.
Realizó sus estudios de pregrado en la Universidad Nacional de Colombia, siendo parte de la cátedra del maestro Diego García, obteniendo su titulación como maestro en música con énfasis en violonchelo; y ha recibido clases magistrales con profesores de USA, Francia, Hungría, Finlandia, Alemania.
En el año 2014 fue parte de la gira a Cataluña – España con la orquesta sinfónica del conservatorio de música de la Universidad Nacional; en 2017 hizo parte de un campamento de música contemporánea y experimental en Helsinki – Finlandia, siendo invitado de la academia de música Laponia improvisations, en la que su hermano Sergio es profesor. Ha sido solista con la orquesta sinfónica de Caldas interpretando conciertos de Haydn, Vivaldi y Schostackovich
Actualmente es Violonchelista principal de la Orquesta Sinfónica de Caldas y profesor de Violonchelo en la Universidad de Caldas, es primer violonchelo del TRIO CASSAG, el cual integra con su hermano Sergio y su hermana Natalia.
Sus intereses como violonchelista y artista abarcan desde la música académica clásica y contemporánea hasta diferentes manifestaciones sonoras actuales, tales como la música electroacústica, el rock, el jazz y la improvisación libre.
CICLO 4 BUENOS AIRES
BUENOS AIRES
Otto Castro
Rito de Pasaje (2015)
Música electroacústca: Otto Castro
Video: Roberto Guerrero.
Dirección: Jurguen Ureña
Este videoarte pone en entredicho la fijación normativa de la identidad sexual. Esto partiendo de la hipótesis de que una figura celestial actúa como ser que va cambiando a jugadores de futbol heterosexuales y los transforma, a partir de un rito de baño y envoltura , en seres de una posible sexualidad diversa. Al final la confrontación entre dos equipos en el campo de juego, se acaba, al aparecer un solo equipo de fútbol que avanza hacia la dirección del espectador como un triángulo rosa.
Otto Castro
Otto Castro es doctorante del programa de Tecnología Musical de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) con el Dr. Rodrigo Sigal Sefchovich como tutor principal.
Egresado de la Maestría en Artes de la Universidad de Costa Rica. Posee una Maestría en Tecnología Musical por la UNAM. Licenciado en composición musical por la Universidad de Costa Rica estudiando con los maestros a Luis Diego Herra, Benjamín Gutiérrez y Bernal Flores.
Premio Nacional de Composición Musical Aquileo J. Echeverría (2010) Premio ACAM (2009, 2010). Ha sido jurado para concursos como el The International Computer Music Conference – ICMC – (2012, Ljubljana, Eslovenia) y (2016, Sao Pablo, Brasil), así como en el Seminario de Composición Musical o el concurso de Arte Sonoro (MUCEVI, 2011), entre otros. Recibió en el 2001 y 2002 recibió la beca para profesionales iberoamericanos del Ministerio de Cultura de España.
Ha publicado a través de editorial Ariel, España con la fundación telefónica y ha sido curador de dos proyectos de difusión de los nuevas tecnologías aplicadas a la música como son: REDASLA (Red de Arte Latinoamericano) y MICROCIRCUITOS, esta última patrocinada por la Fundación Príncipe Claus de Holanda.
Juan Carlos Vásquez
“A Chinese Triptych”
fue compuesto usando grabaciones de un extenso documental sonoro hecho por el artista en las ciudades de Hangzhou, Suzhou, Shanghai, Wuxi, Harbin y Beijing durante 2017. La pieza hace uso de superposición de eventos de la China rural, industrial y digital en un solo discurso musical fluido, con el objetivo de representar el rango total de contraste entre maneras de vivir en la China moderna. La pieza dura exactamente 6 minutos, un numero al que en China le es dada la connotación de eventos “fluyendo sin contratiempos”. La forma y la proporción está inspirada en el concepto de tríptico en las artes visuales, un formato compuesto de tres partes temáticamente relacionadas, siendo usualmente el panel medio el de mayor tamaño.
Juan Carlos Vasquez Carrera
Compositor, artista sonoro e investigador colombiano. Sus piezas electroacústicas son interpretadas constantemente alrededor del mundo y han sido estrenadas en 28 países de las Americas, Europa, Asia y Australia. Vasquez ha recibido becas de creación y/o comisiones por parte de numerosas instituciones, incluyendo el Nokia Research Center, el Ministerio de Cultura de Colombia, AVEK (Centro para la Promoción de Cultura Audiovisual de Finlandia), la Galeria Nacional de Finlandia, la Universidad de Virginia, la Sibelius Birth Town Foundation, Aalto University, el Centro de Promoción de Artes de Finlandia y la CW+ en conjunto con el Royal College of Music en Londres, UK. Vasquez recibió su educación en Sibelius Academy (Finlandia), Aalto University (Finlandia), la Universidad de Virginia (USA) y ha tomado cursos con Andy Farnell, Miller Puckette, Marco Stroppa, Steven Stucky and Jonty Harrison, entre otros. Como investigador, las publicaciones de Vasquez pueden ser encontradas en el Computer Music Journal y los artículos de la International Computer Music Conference, la ACM CHI Conference on Human Factors in Computing Systems, la International Sound and Music Computing Conference, y la International Conference on New Interfaces for Musical Expression.
Nicolás A. Castro
“Minotauro acariciando” a una mujer.
Basada en el dibujo de Picasso Minotauro acariciando a una mujer dormida es un intento del compositor de ahondar en la expresividad con materiales sonoros que no invoquen el lenguaje hablado. Por otro lado la misma hechura de la obra propone una aporía dado el contexto politico y social que hay alrededor de la mujer. La brutalidad, la violencia, el asco y las emociones fuertes, así como los ruidos, recrean una imagen sonora que quiere llevar al oyente a lo más profundo de la moral, la consciencia y la condición humana.
Nicolás A. Castro Pulido (1993, Nemocón)
Estudiante de música y matemáticas en la universidad de los Andes. Estudio música electroacústica bajo la tutoría del maestro Jorge García y fue estudiante del compositor y artista sonoro alemán Peter Kiefer en la Hochschule für Musik en Maguncia, Alemania. Ganador del concurso de composición de la universidad de los Andes (2015), sus obras han sido estrenadas en la emisora cultural de Frankfurt hr2 en el programa The Artist’s Corner.
Sara González Salamanca
Plegaria es primera pieza acusmática de la compositora. Está inspirada en la idea de la plegaria, entendida como una transición de un estado terrenal de la mente a uno espiritual.
Sara González Salamanca
inicia sus estudios musicales en la Universidad de los Andes en el 2014. Con sólo conocimiento musical empírico hasta el momento, ingresa al énfasis de Composición. En el 2015, motivada por su interés en el cine, toma en paralelo cursos de Composición y Audio para la imagen, a través de los cuales se aproxima por primera vez a la composición electroacústica.
En el 2017, presenta sus obras Lluvia y Tema con cuatro variaciones, en el Concierto de Jóvenes Compositores organizado por la Universidad de los Andes. Ha estudiado bajo la guía de los maestros Santiago Lozano, Pedro Ramírez, Jorge García y Catalina Peralta.
Sebastian Galeano
Kamikaze es un instrumento diseñado dentro de un plugin de síntesis modular, el cual se multiplica con ligeras variaciones en su estructura, de forma tal que permite la suma y superposición de múltiples capas sonoras, obteniendo una diversa cantidad de materiales empleando pocos recursos. Está conformado por 8 osciladores, cada uno con una envolvente similar pero con características marcadamente diferentes, como la forma de onda o los filtros aplicados. De esta forma, cada material se comporta de forma similar y complementaria, pero al mismo tiempo parece sobreponerse y opacarse, de forma similar a un proceso de generación y autodestrucción. Por tal motivo, se ha elegido este título para la presente obra.
Juan Sebastián Galeano Castillo
Maestro en artes plásticas de la Universidad Nacional de Colombia. Se inició en la experimentación sonora alrededor de 2006, luego de conocer el trabajo de artistas como Aphex Twin, Throbbing Gristle y Lustmord. Su trabajo se fundamenta en la síntesis digital, enfocado en la búsqueda de materiales, atmósferas y formas, sin esperar un resultado rítmico o melódico en sus piezas. Ha trabajado con artistas como Amhin Casterr de Colombia, Christian Galarreta de Perú, Leonardo Sabato de Ecuador, Abesta de Brasil y The Blasius Project de Dinamarca. Actualmente se dedica a apoyar la infiltración y deconstrucción del sistema bancario canadiense.
Martín Carvajal
«Nazca»
es mi primera producción en formato cuadrafónico. Encontré inspiración en las primeras páginas del libro «Las Pistas de Nazca» de Simone Waisbard y por un viaje que realicé por Perú. Surge como desafío de querer recrear un paisaje sonoro surrealista, imaginando los secretos que revelan las líneas del desierto al caer la noche.»
Martín Carvajal.
estudiante de Lic. en Composición Musical de la Universidad Nacional de Córdoba en Argentina
Sandra González
Simbiosis (2017)
El liquen Thamnolia vermicularis fue el punto de partida para la composición de esta obra. Existe sobre el suelo y la piedra en las regiones boreales y montañosas del Ártico y del Norte. El concepto de simbiosis se traslada a la interacción de las diferentes fuentes sonoras empleadas. Esta íntima asociación evoluciona durante el discurso musical. La presente obra electroacústica fue compuesta en el marco del programa de investigación “Sistemas temporales y síntesis espacial en el arte sonoro”. Específicamente dentro del proyecto “Síntesis espacial de sonido”. Ha sido creada empleando timbres procesados de flauta, violín y percusión. Plantea el juego artístico con los esquemas auditivos propuestos por Gary Kendall (2010), a través de la disrupción y el dominio de la perturbación. La obra está organizada a partir de relaciones entre “situaciones de congruencia” y “situaciones de incongruencia” entre fuentes conceptuales e imágenes fuentes. Se busca la expectación de congruencia a partir de la “situación de incongruencia”, en la que múltiples fuentes conceptuales presentan una sola imagen fuente.
Sandra Elizabeth González
Licenciada en Composición con Medios Electroacústicos por la Universidad Nacional de Quilmes (UNQ), en donde obtuvo la Beca de Formación en Docencia e Investigación. Integra el Programa de Investigación “Sistemas temporales y síntesis espacial en el arte sonoro”. Ha compuesto obras para instrumentos solos, ensambles, orquesta, coro de cámara, obras electroacústicas y medios mixtos. Sus obras son estrenadas por reconocidos intérpretes en prestigiosos ciclos de conciertos de Argentina. Sus obras han sido selccionadas para participar en el workshop para compositores realizado en 2013 por el Cuarteto Arditti (UNQ – Argentina); UNDÆ! Radio (España) en 2015 y en Inmerso, Unimedios – UN Radio (Colombia) en 2016. Así también en los siguientes Festivales internacionales: Música de Agora na Bahia (Brasil) en 2014, 41 st International Computer Music Conference (ICMC) en 2015 (EE.UU.), L’Acusmonium AUDIOR (Italia) en 2015 y 2017, New York City Electroacoustic Music Festival en 2016, 2017 y 2018 (EE.UU.), MUSLAB 2016 y 2018 (México, Inglaterra y Francia ), XI Jornadas de la Música Contemporánea (Colombia) en 2016, Bernaola Festival XIV Edición, AKUSMA (País Vasco) en 2017, Delian Academy for New Music (Grecia) y 43rd ICMC (Corea del Sur) en 2018.
Leandro Dimarco
La provincia del sonido
Obra audiovisual con sonido cuadrafónico. La música está inspirada en los textos «La provincia del hombre» de Elías Canetti. La obra está pensada como la unión de música, más video, más literatura, buscando crear paisajes sonoros, siguiendo la idea del teatro de la ausencia del músico y dramaturgo alemán Heiner Goebbels, un teatro sonoro sin actores.
Leandro Dimarco
Licenciado en Composición musical en la UCA, cursó numeros cursos y talleres con Marcelo Delgado, Gabriel Senanes, Enrique Belloc, Leo Masliah, Diego Schissi, entre otros. Realizó obras instrumentales y electroacústicas, y cortometrajes audiovisuales.
También se formó en Cine de manera independiente con maestros como Raúl Perrone y Cristian Pauls entre otros.
TRANSVERSAL SONORA 